Cynthia R. Arte don y pasión amor por la pintura acrílica Costa Rica Arte-don-y-pasion : Picasso Vida (Spanish)

miércoles, 17 de febrero de 2016

Picasso Vida (Spanish)

Pablo Ruiz Picasso:


Pablo Ruiz Picasso, pintor español,  nace en Málaga,  España en 1881  y muere en  Moulins, Francia en  1973 a la edad de 92 años. Fue protagonista y gran creador de las diversas corrientes que evolucionaron las Artes Plásticas del Siglo XX y quién se consagró por más de 75 años mediante creaciones relacionadas con el amor, política, amistad y al contagio por el goce de la vida. Enamorado de París, del sol del Mediterráneo, de los toros, de la gente humilde y hermosas mujeres, gusto que perduró en él hasta los últimos momentos de su vida.

SU FAMILIA


Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (según su certificado de nacimiento) o Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (según su partida de bautismo),   fue el primogénito hijo de José Ruiz  y María Picasso López. Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España, en el seno de una familia burguesa. Picasso tuvo dos hermanas, Dolores  y Concepción . De su padre se sabe que quiso ser artista y fue profesor de dibujo en la Real Academia de Bellas Artes de San Telmo.  Se formó junto a su padre, que era también profesor de dibujo y conservador del museo de Málaga, así como en el ambiente artístico de esta ciudad, presidido por el pintor Antonio Muñoz Degraín, amigo de la familia. 

El niño era un escolar menos que discreto, bastante perezoso y muy distraído, pero con precoz facilidad para el dibujo, que don José estimulaba. Pablo empezó a pintar desde edad temprana; en 1889, a los ocho años, tras una corrida de toros y bajo la dirección de su padre pintó El picador amarillo, su primera pintura al óleo de la que siempre se negó a separarse. 

Entre 1891 y 1898 transcurre lo que podría definirse como época de formación: dibujo, copia de yeso, copia del natural, en la que al tiempo que se instruye en el más estricto academicismo de las escuelas de La Coruña, Barcelona y Madrid. Es alumno de pintor gallego Isidro Brocos.  Era un niño rebelde, mal estudiante sacaba malas notas, su padre le encaminó hacia la pintura. A Pablo Picasso le gustaba acudir a las aulas y encontrarse con aquel ambiente  de dibujo, pintura, y modelado, también estudió Historia del Arte.  Estudiante brillante y precoz, Picasso superó en un solo día, a la edad de catorce años, el examen de ingreso en la Escuela de la Lonja, y se le permitió saltarse las dos primeras clases.


               Su primera pintura a los 8 años: El picador
El  picador, Picasso.

Picasso, óleo, autorretrato 1896 a los 15 años
autorretrato Picasso


 En 1891, Picasso se traslada a La Coruña, allí cursó algunos estudios pero sobre todo pintó y dibujo bajo la dirección de su padre. Tres años más tarde y al notar la gran pasión de su hijo, su progenitor y primer maestro le cede sus propios pinceles y caballetes, admirado ante el talento de su hijo. Bajo la tutela de su progenitor se dedicó a copiar y aprender. 

Picasso tiene 14 años y no para de trabajar, el arte se convierte pronto en su pasión. Es incansable, realiza multitud de retratos. Retratos y más retratos.  Pintó casi 40 retratos de su amigos, pinta mil caras, manos, pies, ojos, narices, orejas, dedos. Todo multiplicado por mil. Esto le serviría más tarde en París. Pinta también a las clases marginadas, mendigos,  prostitutas, vagabundos, músicos callejeros.


Picasso, El diván

El diván 1899


De la madre se conoce poco; al parecer era de una personalidad más fuerte que la de su marido, y Picasso tuvo siempre hacia ella mayor respeto y ternura, lo que algunos creen ver en el retrato que le dibujó en 1923 a la edad de 15 años. Un viejo retrato de su madre, pintado en 1918, le valdrá el millonario premio Carnegie de 1930, que le permite adquirir una suntuosa villa campestre en Boisgelup, y pasarse más de un año viajando por España. 
Picasso, madre, retrato de la madre,

De perfil, medio adormecida, con la cabeza inclinada y los párpados cerrados, como si descansara tras una jornada agotadora. Así pintó Picasso con 15 años a su madre María en 1896, en Retrato de la madre del artista, una de las obras más representativas de la producción del joven pintor. La obra ha sido sometida a un proceso de restauración y estudio exhaustivo en el Museo Picasso de Barcelona, donde se expone. Tras retirar el cartón que daba rigidez a la pintura en pastel, ha quedado al descubierto un dibujo al carbón inédito: un personaje masculino fumando en pipa, pintado de forma invertida respecto a la figura de la madre. Para Reyes Jiménez, jefa de restauración del museo, “no hay duda de que la pintura desconocida es anterior a la de su madre, ya que en caso contrario habría destruido la pintura al pastel en el momento de realizarse”. La especialista mantiene que el personaje con pipa es semejante “en técnica, interpretación del claroscuro y papel usado” a Busto de caballero del siglo XIX, otra obra propiedad del museo. Este dibujo presenta dos marcas en sus vértices superiores: a la derecha un y a la izquierda las iniciales IB, presumiblemente perteneciente al visto bueno de su profesor en A Coruña, Isidoro Brocos, por lo que los dos se tratan de ejercicios de formación. 
Su evolución artística se divide en varios periodos con características diferentes. En primer lugar, la época azul, que abarca entre 1901 y 1903 y en la que predominan los colores azules. 


Período azul:

Entre 1901 y 1904, Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entraba en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo. En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena. Realizó obras en las que utilizaba los tonos azules, casi todas ellas denotan mucha tristeza, en ellas muestra figuras alargadas de mendigos y personajes de la calle.  
Dos hermanas, Picasso
Dos hermanas
La planchadora, Picasso
La planchadora

Si buscamos el origen del período, parece que el detonante sería el suicidio en París de su amigo Carlos Casagemas, quién fue un poeta y pintor español, y que estaba profundamente deprimido por el rechazo de Germaine, una modelo de quién se había enamorado. Su impotencia sexual hizo que la relación fracasara  e intentó matarla con una pistola en un café parisino. Tras fallar el tiro se apuntó a la cabeza y disparó, acabando con su vida a la edad de 20 años. 

Carlos Casagemas, Picasso.


 Sea como fuere tenemos un período marcado por la estilización formal de la figura y la monocromía en tonos azules. Aparece de nuevo la mujer, la maternidad, pero no vista de manera gozosa sino en la miseria y el mar. Una pintura que emana tristeza y que abarcará más o menos de 1901 a 1904.  En esta etapa no encontramos una individualización del rostro femenino, sino un prototipo de mujer estilizado y elegante, encontramos a Madeleine, una joven con una belleza extremadamente frágil, delgada, enfermiza que servirá de modelo a Picasso para obras como La comida frugal, o  La planchadora. 

Madeleine siguió ocupando el imaginario del artista aún tras haber conocido a Fernande Olivier en 1904. Podríamos decir que ella fue la síntesis femenina del periodo azul, mientras Fernande representaba para Picasso otra cosa, ella era igualmente bella, pero robusta y llena de vida. Esa doble relación en sus inicios, el abandono de Madeleine a favor de Fernande escenifica en la vida de Picasso el paso sin ruptura del periodo azul como metáfora de la antigua amante a la paleta rosa.

Mujer en camisa, Pablo Picasso, Picasso
Mujer en camisa
Modelo: Madeleine, otro amor de Picasso

Período  rosa:

Posteriormente se encuentra la época rosa (1905-1906), con pinturas que muestran tonos más rosados o rojizos. En la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob y con el dramaturgo André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una nueva evolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa (período rosa). Aquí se enmarcan, entre otras obras, 'Familia de Arlequín' o 'Gran Holandesa'.

Familia de arlequín, Picasso.

Familia de Arlequín


Gran Holandesa, Picasso.
Gran Holandesa

Madre e hijo Picasso
Madre e hijo


LA ETAPA NEGRA 1906
Se caracteriza por pintar sobre todo figuras femeninas y desnudos,  influenciado por la cultura africana Cada vez más alejados del concepto óptico sensorial y más cerca de ese carácter intelectual de la pintura. Desnudos volumétricos, como si fueran esculturas sólidas. Un rostro tan escultórico que recuerda a una máscara africana, o una mujer sentada, pura expresión geométrica de  la anatomía: el rostro es un óvalo perfecto, sus brazos son cilindros.

La trascendencia de Picasso no se agota en la fundación del Cubismo, revolucionaria tendencia que rompió definitivamente con la representación tradicional al liquidar la perspectiva y el punto de vista único. A través de toda su larga trayectoria, Pablo Picasso exploró incesantemente nuevos caminos e influyó en todas la facetas del arte del siglo XX abordando muchos otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
 Es considerado desde  principios del Siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en muchos movimientos artísticos que se difundieron  por  todo el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Laborioso y prolífico, pintó miles de  obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. A finales de 1906, Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: 

                                                                     Les demoiselles d'Avignon.
Las demoiselles, Picasso


La siguiente fase conoce como el Protocubismo (1906-1907), esencial para el posterior desarrollo del Cubismo. En este periodo comienzan a aparecer influencias africanas, además de una desvinculación por parte de Picasso de lo establecido en el arte. De esta forma, hay una ruptura con el Realismo y se utilizan planos angulares sin fondo ni perspectiva. 'Las señoritas de Avignon' fue una obra clave para que Picasso continuara investigando nuevas técnicas y modos de hacer pintura, entrando finalmente en los inicios del Cubismo. 

En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y elementos tomados de El greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges  Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen. Las tramas geométricas eliminan la profundidad espacial e introducen el tiempo como dimensión al simultanear diversos puntos de vista: era el inicio del cubismo.
El Cubismo fue la etapa siguiente y la más representativa de Pablo Picasso. Abarca desde 1908 hasta 1916. El Cubismo se caracteriza por una ruptura definitiva con la pintura tradicional. Trata formas de la naturaleza a través de diversas formas geométricas. Picasso buscaba una pintura pura, inspirándose en los objetos de su taller desde una perspectiva intelectual. Destacan 'El retrato de Vollard', 'El aficionado' o 'Le guitariste'.

El retrato de Vollard, Picasso
El retrato de Vollard

Según Wikipedia  El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del Siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista  único. No hay sensación de profundidad Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados solo por la presencia de la cola del mismo.
A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos. Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fovismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones

El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta. Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages. La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística.
De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban. Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase denominada analítica (1909-1912). En 1912 introdujeron un elemento de flexibilidad en forma de recortes de papel y otros materiales directamente aplicados sobre el lienzo, técnica que denominaron collage.

La admisión en el exclusivo círculo del cubismo del pintor español Juan Gris desembocó en la etapa sintética de dicho estilo, marcado por una gama cromática más rica y la multiplicidad matérica y referencial. A partir de 1913, inicia su Cubismo sintético, etapa en la que empieza a predominar la invención sobre el análisis de las formas, junto con un enriquecimiento del color y una mayor importancia concedida a las texturas. Sus temas son alegres y divertidos. Además aporta su invención de la técnica del collage, y en sus cuadros, a partir de ahora, se incluirán trozos de periódicos, revistas o tela. De esta época, algunas de sus creaciones fueron:

Arlequin, Picasso
Arlequín

Fígaro, Picasso
Fígaro
Picasso
Naturaleza muerta con silla de rejilla.
El primer collage del arte moderno.

Periodo Neoclasicista: Este periodo comienza en 1917 y termina en 1927. En este periodo hay una tendencia en muchos artistas de vuelta al clasicismo. En su caso, una vuelta al desnudo monumental, al dibujo de línea precisa el retrato de Ingres.

Ingrees, Picasso
Ingrees

Epoca surrealista: Este periodo dura de 1928 a 1932. En esta época las formas son distorsionadas, representando lo monstruoso o a evocaciones mitológicas y las esculturas estaban hechas de hilo y de láminas de metal. Pinturas destacadas; Bañista en pie (1929), Bañista al borde del mar(1930) y El sueño (1932).


El sueño, Picasso
El sueño
Modelo: Marie-Therese Walter su amante

Entre 1915 y mediados de la década de 1920, Picasso fue abandonando los rigores del cubismo para adentrarse en una nueva etapa figurativista, en el marco de un reencuentro entre clasicismo y el creciente influjo de lo que el artista denominó sus «orígenes mediterráneos». Casado desde 1919 con la bailarina rusa Olga Koklova y padre ya de un hijo, Paulo, Pablo Picasso empezó a interesarse por la escultura a raíz de su encuentro en 1928 con el artista catalán Julio González; entre ambos introdujeron importantes innovaciones, como el empleo de hierro forjado.

 En 1935 nació su hija Maya, fruto de una nueva relación sentimental con Marie-Therèse Walter, con quien Pablo Picasso convivió abiertamente a pesar de seguir casado con Olga Koklova; a partir de 1936, ambas debieron compartir al pintor con una tercera mujer, la fotógrafa Dora Maar. El sueño  es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1932. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo y es de estilo cubista. El cuadro, cuyas medidas son 130 x 97 cm, representa a una mujer que yace dormida, en un sillón con la cabeza vencida hacia atrás y el rostro partido en dos y los senos al descubierto. La modelo del cuadro es Marie-Thérèse Walter. En esta obra Picasso muestra a su amante Marie-Therese Walter sentada en un diván y con los ojos entrecerrados, los brazos doblados, la cabeza ladeada y los senos al descubierto. A la hora de pintar el cuadro, Picasso optó por simplificar, reduciendo las formas a volúmenes esféricos.
En el año 2006 fue dañada por su dueño, el magnate de Las Vegas, Steve Wynn. En el año 2013 "El sueño" fue adquirido por Steven Cohen, tras pagar 155 millones de dólares, y se convirtió así en el segundo cuadro más caro de la historia, según una nota publicada en The New York Post  y en el más cotizado de su obra pictórica. Esta pintura fue seriamente dañada por su dueño, el magnate de los casinos de Las Vegas Steve Wynn, cuando, al enseñarla a unos amigos, hundió accidentalmente su codo en el lienzo, provocando un considerable agujero en el mismo. Según parece, Wynn había llegado a un acuerdo con el también multimillonario Steven Cohen para vender la sensual obra por 139 millones de dólares, lo que la convertiría en la pintura más cara jamás vendida, superando al "Adele Bloch bauer" de Gustav Klimt, vendida por 135 millones, pero tras el accidente. El accidente redujo el valor del cuadro a $85 millones de dólares.
Época expresionista: Con el comienzo de la Guerra Civil Española, Picasso fue nombrado director del Museo del Prado, por el gobierno republicano. En 1937 pintó uno de sus cuadros más famosos, el Guernica, es un alegato contra la guerra y el terror infligido a la población civil durante el bombardeo aéreo alemán sobre Guernica. En estos años la mayor parte de las obras expresan un sentimiento de angustia, como consecuencia de la problemática situación que se vivía. 
Guérnica, Picasso


Explicación de la obra Guernica:
Guérnica, Picasso

El estallido de la guerra civil española lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más universalmente admiradas, el mural de gran tamaño Guernica (1937). Al estallar la Guerra Civil, Picasso apoya con firmeza al bando republicano, y acepta simbólicamente la dirección del museo del Prado, mientras en 1937 pinta el Guernica en París.   La reducción al mínimo del cromatismo, el descoyuntamiento de las figuras y su desgarrador simbolismo conforman una impresionante denuncia del bombardeo de la aviación alemana, que el 26 de abril de 1937 arrasó esta población vasca en una acción de apoyo a las tropas franquistas. En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que tendría dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde, Pablo Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes predilectos.

Dos años después se realiza una gran exposición antológica en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Deprimido por el triunfo de los nacionales y la posterior ocupación de Francia por los nazis, pasa la mayor parte de la Segunda Guerra Mundial trabajando en su refugio de Royan. En 1944, se afilia al Partido Comunista Francés y da a conocer 77 nuevas obras en el Salón de Otoño. Después se entusiasma por la litografía y por la joven y hermosa pintora Françoise Guillot, con la que convive hasta 1946. Se inicia así su etapa de Vallauris, en la que trabaja en sus magníficas cerámicas. Con Françoise tendrá dos hijos: Claude, nacido en 1947, y Paloma en 1949.

Periodo de Vallauris: En esta Epoca se dedicó por completo a la cerámica, donde realiza cerca de 2000 piezas (El hombre del cordero que mide 2,20 m de altura). 
Picasso,

Picasso
El hombre del cordero.
Picasso

La obra Autorretrato (1907); es una de las últimas que hizo Picasso, sintiéndose identificado por el post-impresionismo. Forma parte del Periodo Rosa. Los tonos rojizos dominan, oscuros o claros, en las distintas partes de cuadro. En el fondo de la parte izquierda combina el color rosado como base junto con café y azul, dando el efecto de oscuridad en la parte inferior. Luego con tonos rojos y naranjas se va aclarando a medida que se sube. Los tonos de la cara llevan un gris como base, que junto con los rojos, amarillos y naranjas forman el tono de la piel. 
Picasso,
Picasso, autoretrato 1907

En 1954, el infatigable anciano se fascina por una misteriosa adolescente de delicado perfil y largos cabellos rubios llamada Sylvette D., que acepta posar para él a cambio de uno de los retratos, a su elección. El trato se cumple y su resultado produce algunas de las obras más conocidas y reproducidas del pintor, como el famoso perfil de Sylvette en la butaca verde. Sylvette David, una chica rubia inglesa de diecinueve años, alcanzó una repentina fama en la década de 1950, cuando Picasso le pidió que posara para él y se convirtió en el tema de inspiración del pintor. Sylvette David es conocida como “La chica de la cola de caballo“, un atributo que fascinó a Picasso y le inspiró en más de 40 pinturas, dibujos y esculturas y algún otro tema posterior a los años 50.
Picasso



Picasso
Sylvette D.

Picasso


Al cabo de tres meses, en junio, la modelo acudió al taller, y el pintor la llevó a una habitación, “Mira, Sylvette, tienes que elegir un cuadro. ” Allí estaban todos los retratos, unos cuarenta entre pinturas y dibujos. Sylvette eligió el más grande, con fecha 5 de mayo de 1954. Posteriormente tuvo que vender el cuadro cuando enfermó su novio y  le quedó algo para pagar un apartamento en París para ambos. 

Si la fascinación por la etérea Sylvette había sido platónica, no tuvo el mismo rumbo su atracción por Jacqueline Roqué, joven de extraordinaria belleza a la que tomó como compañera en 1957. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; la que sería su última relación sentimental de importancia. Codicioso en el trabajo, tacaño con el dinero, y generoso en el amor”, aprendió muy bien el oficio.  


Convertido ya en una leyenda en vida, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte.

Picasso

Jackeline Roqué, su última relación sentimental.

Picasso

Pablo Picasso, el multimillonario


Después de su muerte en 1881 Picasso sigue siendo increíblemente popular.  La lista de las 50 más caras pinturas vendidas en la historia de arte es un testimonio a esa increíble popularidad. En esta lista Pablo Picasso aparece diez veces ¡más que cualquier otro pintor.  Especialmente populares son sus obras tempranas de los períodos azul y rosado en los cuales Picasso rompió con sus antecedentes académicos y va hacia la modernidad. Pero lo interesante es que sus obras de los períodos azul y rosa, que eran menos populares con el público son los que hoy son más valiosos. Picasso se demostró claramente como uno de los líderes más influyentes de la vanguardia del siglo XIX. La popularidad de las obras de Picasso reside en el hecho de que sus obras eran tan originales que tenían sentido completo a lo largo de la evolución del arte moderno. 

 Picasso tenía la suerte de poder disfrutar de este éxito monetario durante su vidaMuere al mediodía del 8 de abril de 1973 en su villa de Nôtre-Dame-de-Vie, en Mouginsde un edema pulmonar consecuencia de una gripe mal curada.
   Dejó tras de sí la mayor y más rica obra artística personal de nuestro siglo, y una fabulosa herencia que provocó agrias disputas hasta recaer en un ser de pacífico nombre: Paloma, su hija, hoy empresaria y diseñadora de modas.



Picasso, Paloma
Paloma Picasso, su hija.

Paloma, Picasso

Paloma, Picasso


 Algunas de sus más famosas obras:

El sueño - $155 millones de dólares
Modelo: Marie Therese Walter su amante

Picasso,


Desnudos, hojas verdes y busto: $106.4 millones de dólares
Modelo: Marie Therese Walter

Picasso

Autorretrato Muchacho con pipa $104 millones de dólares.
Modelo: Pablo Picasso
Picasso

Dora Maar au chat $95.2 millones de dólares
Modelo: Dora Maar au chat, otro amor de Picasso.

Picasso


Los tres músicos.


Los tres músicos, Picasso



Arlequín

Arlequín, Picasso


Muchacha joven delante de un espejo
Modelo: Su amante Marie Therese Walter.

Picasso

FRASES CELEBRES DE PICASSO


Picasso


 Hace falta mucho, mucho tiempo para ser joven. 


 Cuando dicen que soy demasiado viejo para hacer una cosa, procuro hacerla enseguida. 


 Siempre estoy haciendo cosas que no sé hacer, de manera que tengo que aprender como hacerlo. 


 Tuve la oportunidad de enfrentarme, por primera vez, a mis ídolos. Me esperaban en el Museo del Prado. Desde entonces me quedó fijado en las retinas, de una manera obsesionante, el cuadro de Velázquez Las Meninas. Creo que ya tomé, aunque fuera en el subconsciente, la decisión de realizar mi versión de Las Meninas. Que son las que ahora se encuentran, como donación, en Barcelona. »

 El mundo de hoy no tiene sentido, así que por qué debería pintar cuadros que lo tuvieran? 

El arte es una mentira que nos hace darnos cuenta de la realidad. »

 Desplazar. Poner ojos en las piernas. Contradecir. Hacer un ojo de cara y otro de perfil. Siempre se hacen los dos ojos iguales. ¿Se ha fijado? La naturaleza hace muchas cosas como yo, ¡las oculta! »

 Tu obra en la vida resulta ser tu seducción más absoluta. 

 El Arte es eliminar lo innecesario. 

 Cada segundo de vida es un momento nuevo y único en el universo, un momento que nunca se repetirá. ¿Y qué les enseñamos a nuestros hijos? Les enseñamos que dos y dos son cuatro, y que París es la capital de Francia. ¿Cuándo les vamos a enseñar también lo que son? Deberíamos decirles a cada uno de ellos: ¿Sabes quién eres? Eres una maravilla. Eres único. En todos los años que han pasado, nunca ha habido otro niño como tú. Tus piernas, tus brazos, tus dedos, la forma en que te mueves. Quizá te conviertas en un Shakespeare, un Miguel Ángel, o un Beethoven. Tienes la capacidad para hacer cualquier cosa. Si, eres una maravilla. Debes trabajar, todos debemos trabajar, para hacer al mundo digno de sus niños. 

 El objeto del arte es quitar el polvo a la vida diaria de nuestras almas. 

 La escultura es el arte de la inteligencia. »

 Cada vez que he tenido algo que decir, lo he dicho tal como sentía que debía decirse. Motivos diferentes reclaman invariablemente medios de expresión diferentes. »

 Yo no digo todo, mas pinto todo. 

 La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando. 

 Vi que ya estaba todo hecho. Era necesario romper para hacer la propia revolución y volver a empezar de cero. Me obligué a ir hacia el nuevo movimiento. El problema es cómo pasar, cómo soslayar el objeto y dar una expresión plástica al resultado [...] Todo esto es mi lucha para romper con el aspecto bidimensional. »

 Pintar es solo otra forma de escribir un diario. »

 Debes tener una idea de lo que vas a hacer, pero sólo una vaga idea. 

 Todo lo que no tiene un objetivo por alcanzar, un resultado por conquistar, una enigma por resolver, un misterio por penetrar, no me interesa. 

 Ojalá pudiéramos quitarnos el cerebro y usar solamente nuestros ojos. 

 Un artista digno de este nombre debe dar a los objetos que quiere representar la máxima plasticidad posible. Por ejemplo, si quiere representar una manzana: si se traza un círculo, se representará el primer grado de plasticidad del modelo. Pero es posible que el artista quiera llevar su obra a un grado de plasticidad mayor y que entonces el objeto acabe representado con la forma de un cuadrado o un cubo, que no serán en absoluto la negación del modelo. 

 Todos sabemos que el arte no es realidad. El arte es una mentira que nos hace darnos cuenta de la realidad, al menos de la realidad que somos capaces de comprender. 

 El arte no es la aplicación de un canon de belleza, sino lo que el instinto y el corazón ven mas allá de cualquier canon. Cuando amamos a una mujer no empezamos a medir sus miembros. »

 El peor enemigo de la creatividad es el “buen” juicio. »

El cubismo se ha mantenido dentro de los límites y las limitaciones de la pintura, sin pretender jamás ir más allá. El cubismo comprende y utiliza el dibujo, la composición y el color con el mismo espíritu y de la misma manera que todas las demás escuelas. Nuestros temas quizá son diferentes, ya que hemos introducido en la pintura objetos y formas que antes ignoraba. Nosotros hemos mantenido los ojos —y el cerebro— abiertos hacia nuestro entorno. 

 Para dibujar hay que cerrar los ojos y cantar. 

Lo que deseo es que de mi cuadro se desprenda únicamente la emoción. 

 No hay ninguna pintura, ningún dibujo mío, que no responda exactamente a una visión del mundo. 

 Cuando pinto, mi objetivo es mostrar lo que he encontrado, y no lo que busco. 

 Cada cuadro, cada ritmo, cada color es una batalla. Una batalla contra uno mismo, contra la pintura. 

Quien se preocupa del juicio de la posteridad no puede ser libre. La posteridad es una hipótesis. El artista no trabaja sobre hipótesis. Trabaja sobre el Aquí y sobre el Hoy. 

 Siempre hay que buscar la perfección. Para mí significa: de una tela a otra, ir siempre más lejos, más lejos. 

 No basta con conocer las obras de un artista. También hay que saber cuándo las hacía, por qué, cómo, en qué circunstancias. Procuro dejar para la posteridad una documentación tan completa como sea posible. Por esto fecho todo lo que hago. 

« Mis cuadros antiguos ya no me interesan... Siento mucha más curiosidad por los que aún no he hecho. [Picasso, a los 80 años] »

 Pinto igual que otros escriben su autobiografía. Mis telas, acabadas o no, son las páginas de mi diario. 

 Sólo pinto lo que veo. Quizá lo he visto o lo he sentido de forma diferente en otras épocas de mi vida, pero nunca he pintado algo que no haya visto o sentido. 

 Como artista, todo lo que necesito son mis pinturas y mis pinceles (y alguien para llevarme lejos una vez que el lienzo está terminado) 

Se cambia continuamente. Sólo se puede seguir realmente el acto creador a través de la serie de todas las variaciones. 

 El arte abstracto no existe. Siempre tienes que empezar por algo. Después de eso puedes cambiar todos los trazos de realidad. 

 No envejecemos, maduramos. 

 Busco la inspiración en la realidad. Sólo lo real empuja mi imaginación y me da una nueva vida. 

 El éxito es peligroso. Uno comienza a copiarse a si mismo. Y copiarse así mismo es mas peligroso que copiar a otros. Conduce a la esterilidad. 

 En realidad, Dios es solo otro artista. Creó la jirafa, el elefante y el gato. No encuentra su estilo, simplemente sigue intentando otras cosas. 

 Aunque sólo existiera una verdad única, no se podrían pintar cien cuadros sobre el mismo tema. 

 Sólo me esfuerzo en poner el máximo de humanidad posible en mis cuadros. Tanto da si esto ofende a algunos idólatras de la esfinge humana convencional. Además, no tienen más que mirarse un poco más atentamente en un espejo. ¿Qué es un rostro, en el fondo? [...] ¿Lo que hay delante? ¿Dentro? ¿Detrás? ¿Y el resto? ¿Acaso no lo ve cada uno a su manera? 

 La moda es la última piel de la civilización. 

 Siempre me oriento más a la dimensión emocional y prefiero actividades imaginativas e intuitivas. Mis elementos son la imaginación, intuición y sentimientos. Vivo más de fantasías que de realidades. Tiendo a la imaginación visual y/o de situaciones y/o de efectos sonoros. Percibo en el ambiente las sensaciones, la belleza, las emociones y siento la necesidad de mostrarlo a través de la expresión artística. Siento incomodidad de desenvolverme en tareas previamente estructuradas. Mi vinculación con el medio social lo realizo a través de este tipo de comunicación, más que del contacto directo con las personas. Soy algo introvertido por lo que busco la aprobación social a través de la comunicación artística y así neutralizar mi desvinculación con los demás. 

La edad sólo importa cuando uno envejece. Ahora que he llegado a una edad avanzada, bien podría tener veinte años. 

Nada puede surgir sin soledad. Yo me he creado una soledad que nadie es capaz de imaginar. Hoy día es muy difícil aislarse, porque estamos rodeados de relojes ¿Han visto alguna vez a un santo con reloj? Yo no he podido encontrar ninguno, ni siquiera entre los santos patronos de los relojeros. 

 La pintura es libertad! Cuando uno salta, también se puede caer en el lado falso de la cuerda. Pero si uno no quiere arriesgarse a caer de bruces, ¿Qué se puede hacer entonces? En ese caso lo mejor es no saltar. 

 No hay un momento en el que pueda decir: he trabajado mucho y mañana es domingo. Tan pronto como terminas, vuelves a empezar. Puedes dejar a un lado la tela diciendo que ya no la tocas más. Pero nunca puedes poner la palabra fin. 
 El artista es como un receptáculo de sentimientos y sensaciones que vienen de todas partes del cielo, de la tierra, de un pedazo de papel, de una figura transeúnte o de una telaraña. Por eso no podemos hacer ninguna diferencia de clases. Tenemos que escoger lo que es bueno para nuestro trabajo, pero el trabajo en sí, no lo podemos escoger porque ya nos viene dado. Me horroriza copiarme a mi mismo. Sin embargo, si me enseñan una carpeta con mis dibujos antiguos, no dudo en tomar de ellos todo lo que puedo utilizar. »

 El gusto es el enemigo de la creatividad. 

 En arte no hay sólo el objeto que se va a representar según las leyes convencionales de la perspectiva. Hay las dimensiones de la obra, hay la luz en la que se sitúa la propia concepción plástica, hay la posición que se le da, y hay muchas otras cosas. A mí me gusta, sobre todo, la luz. 

 En mi obra, un cuadro es una suma de destrucciones. 

 Me enamoré de mi mujer y nunca más me volví a enamorar. La fidelidad te la propones inconscientemente: tienes una familia, unos hijos. ¿Cómo vas a jugar al amor por ahí?. 
 Cada acto de creación es ante todo un acto de destrucción. 

 Me enorgullece decirlo: jamás he considerado la pintura como un arte meramente de adorno, de distracción; he querido, a través del dibujo y del color, ya que éstas eran mis armas, penetrar siempre más allá en el conocimiento del mundo y de los hombres, para que este conocimiento nos libere cada día más. 

 Otros han visto lo que es, y preguntan por qué. Yo he visto lo que podría ser, y me he preguntado por qué no. 

¿Qué queremos pintar, lo que hay en la cara, lo que hay dentro de la cara, o lo que hay detrás de ella? 

El cuadro no es pensado y fijado por adelantado: mientras se hace, sigue la movilidad del pensamiento. Una vez terminado, cambia aún más, según el estado de quien lo mira. Un cuadro vive su vida como un ser vivo, experimenta los cambios que la vida cotidiana nos impone. Esto es lógico, ya que un cuadro sólo vive gracias a quien lo mira. »

 Algunos pintores convierten el sol en un punto amarillo; otros convierten un punto amarillo en el sol. 

 ¿Quien vé correctamente la cara humana: el fotógrafo, el espejo, o el pintor? 

« No hago nunca un cuadro como una obra de arte. Siempre es una búsqueda. Busco constantemente, y en toda esta búsqueda hay un encadenamiento lógico. Por esto las numero [las obras]. Las numero y las fecho. Quizá algún día alguien me lo agradecerá. 


 La libertad primero hay que aceptarla, despues planificarla y, finalmente, disfrutarla. »

 Cuando era un niño, mi madre me dijo, “Si te haces soldado, serás un general. Si te haces monje, terminarás siendo Papa”. En lugar de eso me hice pintor y me he convertido en Picasso. 

 Cuando vás derecho a por algo, solo te tienes a ti mismo. El sol es un millar de rayos en tu vientre. Todo lo demás no es nada. 

 Los malos artistas copian. Los buenos roban. 

 Nunca sabes qué vas a hacer. Empiezas un cuadro y se convierte en algo totalmente distinto. Es curioso lo poco que cuenta la voluntad del artista. 


 Pinto objetos como los pienso, no como los veo. 

 Me llevó cuatro años pintar como Rafael, pero me llevó toda una vida pintar como un niño. 

 Para mí, cada cuadro es un estudio. Yo me digo: algún día lo terminaré, haré que sea algo acabado. Pero desde el momento en que empiezo a terminarlo, se convierte en otro cuadro, y pienso que lo reharé. Y al final siempre es algo diferente. Si lo retoco, hago de él un nuevo cuadro. »

« ¿Por qué dos colores, uno al lado del otro, producen música? Puede alguien explicar eso? No. De la misma manera en que uno nunca puede aprender a pintar en realidad. 

 Yo no busco. Encuentro. 

 Antes [...] un cuadro era una suma de adiciones. En mi caso, un cuadro es una suma de destrucciones. Hago un cuadro, y luego lo destruyo. Pero, al final, no se ha perdido nada; el rojo que he quitado de una parte se encuentra en alguna otra parte. 

Todo el mundo quiere comprender la pintura. ¿Por qué no se intenta comprender el canto de los pájaros? ¿Por qué a uno le gusta una noche, una flor, todo lo que rodea al hombre, sin intentar comprenderlo? La pintura, en cambio, se quiere comprender. 

 Cada niño es un artista. El problema es cómo seguir siendo un artista una vez que hemos crecido. 

 Yo veo por los otros. Es decir, pongo en la tela las visiones repentinas que me impulsan. No sé de antemano qué pondré en la tela, y aún menos puedo decidir qué colores usar. Mientras trabajo, no soy consciente de lo que estoy pintando en el lienzo. Cada vez que empiezo un cuadro, tengo la sensación de lanzarme al espacio. Y nunca sé si aterrizaré de pie. Sólo más tarde empiezo a evaluar el efecto de lo que he hecho. 

 Los ordenadores son inútiles. Sólo pueden dar respuestas. 

 A menudo, leyendo un libro, uno siente que el autor hubiera preferido pintar a escribir; uno puede sentir el placer que él ha sentido describiendo un paisaje o a una persona, como si fuera pintando lo que escribe, porque en el fondo de su corazón hubiera preferido usar pinceles y colores. 

 Cualquier cosa que puedas imaginar es real. 

 Los surrealistas tenían razón en esto. La realidad es más que la cosa en sí. Yo siempre busco la surrealidad. La realidad es cómo se ven las cosas... Un pintor que copia un árbol rehúsa ver la realidad. Yo veo las cosas de otra manera. Una palmera puede convertirse en un caballo. 

 La armonía oculta es mejor que la obvia. 

 Todo es un milagro. Es un milagro que uno no se disuelva en la bañera como un terrón de azúcar. 

 Cuando se es joven, se es joven para toda la vida. 

 No tengo ninguna de mis pinturas porque un Picasso original vale varios miles de dólares, es un lujo que no me puedo permitir. 

 Cuando comienzas un retrato y buscas una forma pura, un volumen limpio, a través de eliminaciones sucesivas, llegas inevitablemente al huevo. Del mismo modo, comenzando con el huevo y siguiendo el mismo proceso a la inversa, terminas con el retrato. 

 Cuando no tengo rojo, pongo negro. 

 El arte no es casto, debería prohibírselo a los ignorantes inocentes, no poner jamás en contacto con él a quienes no están suficientemente preparados. Sí, el arte es peligroso. Si es casto, no es arte. 

 El que se guarda un elogio, es porque se lo merece. 

 En cuestiones de pintura un experto sólo puede dar malos consejos porque ellos son los únicos con derecho a equivocarse. 

 La acción es la llave fundacional de todo éxito. 


 La calidad de un pintor depende de la cantidad de pasado que lleve consigo. 


 La pintura es más fuerte que yo, siempre consigue que haga lo que ella quiere.


 Lo esencial es hacer lo que a uno le apetece hacer. 

 Recuerda, la única persona que te acompaña toda la vida eres tú mismo. ¡Mantente vivo, hagas lo que hagas! 

Cuando lleguen las lágrimas: aguanta, sufre y Sigue adelante! 

 Ríe siempre, mucho y alto. Ríe hasta destornillarte. ¡incluso de ti! 

 Abre tus sentidos para no perderte nada de lo bello y hermoso que te rodea. 


Tu hogar es tu refugio, pero no acabes encerrado en él. 

No sucumbas a la añoranza. Sal a la calle. Ve a una ciudad vecina, a un país extranjero..., pero no viajes al pasado que duele!! 

El camino de la juventud lleva toda una vida. 

 Tu mejor capital es tu salud. Aprovéchala. Si es buena no la malogres; si no lo es, no la estropees más. 

 La pintura es cosa mental. 

 Este cuadro mío habría causado ya su efecto aunque yo lo encerrase bajo sellos o lo quemase. 

 La pintura no ha sido hecha para decorar los departamentos. Es un instrumento de guerra ofensiva y defensiva contra el enemigo. 

 El amor es el mayor refrigerio de la vida. 

 El público no siempre comprende el arte moderno; esto es un hecho, pero es porque no se le ha enseñado nada sobre pintura. Se le enseña a leer y escribir, a dibujar o cantar, pero nunca se ha pensado en enseñarle a mirar un cuadro. Que pueda haber una poesía del color, una vida de la forma o del ritmo —estas rimas plásticas—, todo esto, lo ignora totalmente. »

 Un pintor es un hombre que pinta lo que vende. Un [artista], en cambio, es un hombre que vende lo que pinta. 

 Yo hago lo imposible, porque lo posible lo hace cualquiera. 

 Puede quien cree que puede, y no puede el que cree que no puede. Esta es una ley inexorable. 

 Cézanne era mi sólo y único maestro. No creáis que me limitara a mirar sus cuadros. Pasé años estudiándolos. Cézanne era como un padre para todos nosotros. 

 ¿Qué es el arte? Si lo supiera, tendría buen cuidado de no revelarlo. 

 Cuando Matisse murió, me dejó en herencia sus odaliscas, y es mi idea de oriente, aunque yo no lo haya visitado nunca.

El único en París que sabe vestir es Modigliani. 


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Puede continuar viendo este video sobre LAS MUJERES DE PICASSO.





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